Договорные ценности.
Эссе о живописи.
(в сокращении)
Представьте - вы на выставке картин. Вы пришли посмотреть на творчество автора, которого искусствоведы в один голос называли гением. И вот вы смотрите, а на картинах - какие-то бессмысленные, неловко нарисованные линии, чёрточки и закорючки. На некоторых просто круг, закрашенный красной гуашью, или треугольник, закрашенный тёмно-синей. Что бы вы подумали о сём действе? Скорей всего одно из двух. Либо: "Ну и что здесь особенного? - и я так смогу нарисовать". Либо: "Наверное я ещё не в состоянии постичь смысла этих картин". Конечно вы могли бы подумать и такое: "Ну и дурак же этот автор!". Но такой посыл всё же ближе к первой мысли…
1- 2- 3-
4- 5-
Слева направо: 1- К.Малевич. "Черный квадрат". 1915.; 2- Образец живописи супрематизма.; 3- Образец живописи ташизма.; 4- Образец живописи конструктивизма.; 5- Аси. "Триединая суть бытия". 2009.
4- 5-
Слева направо: 1- К.Малевич. "Черный квадрат". 1915.; 2- Образец живописи супрематизма.; 3- Образец живописи ташизма.; 4- Образец живописи конструктивизма.; 5- Аси. "Триединая суть бытия". 2009.
читать дальше…Крушение СССР с его критическим отношением к авангардизму привело к тому, что многие люди, даже те из них, кто будет стоять на первой или третьей позиции - не выскажут её вслух. А многие так неуверенны в себе, что искренне будут стоять на второй, и видя, что нарисована ерунда, будут думать, что они чего-то не понимают, будут искать во всём этом тайный смысл и самое главное - будут находить его. Кто ищет - тот всегда найдёт!..
…А сейчас о специфике нашей психологии. Под словом "нашей" я в данном случае понимаю жителей постсоветских стран. Как было сказано выше в СССР, а если точнее то в позднем СССР, авангардизм не приветствовался. Хотя в раннем СССР он процветал. Вместе с социальной революцией творцы пытались устроить революцию в искусстве. Потом власти начали насаждать реализм и классицизм. Объединение этих двух направлений, на основе политически заданной тематики и имперского размаха, породило то, что называют социалистическим реализмом. А вот авангард был не в чести. Это случилось сразу после того, как произошла стабилизация общества, и Советский Союз на новом витке спирали вернулся ко многим ценностям царской России. Хотя власти не говорили об этом в общественно-политическом ключе. ВОЗВРАЩЕНИЕ к дореволюционным архетипам, называли продолжением революции.
Иное дело в искусстве. Тут авангард был отвергнут открыто. Не то, чтобы он сильно преследовался... но критиковался…
Если рассматривать сложившиеся в современном обществе стереотипы, то отношение к авангарду в СССР можно выразить такой картинкой. Никита Хрущёв на бульдозере крушит картины авангардистов.
Тут в усреднённом сознании смешались два события. Первое - посещение Н.Хрущёвым выставки в московском Манеже в 1962 году, когда Никита Сергеевич поругал в сердцах авангардистов, чем создал им такой пиар, что и за миллионы не купишь. После этого многие авангардисты сделали крутую карьеру на Западе. То есть заработали там славу, а значит и большие деньги. Причём те, кто сейчас пишет об этом, уже не скрывает, что скандала искали САМИ художники. Неистовый Никита лишь подыграл им.
И тут мы переходим ко второму событию - к, так называемой, "Бульдозерной выставке". Новые поколения авангардистов тоже хотели пиара. Но Хрущёв был давно снят и умер. Его приемник Леонид Брежнев не был столь импульсивным, чтобы делать авангардистам рекламу ни за что, ни про что. И тут был придуман ход с бульдозерами - гениальный пиар-ход. По замыслу он, как и в случае с Хрущёвым, должен был принести художникам, поучаствовавшим в таком событии, "колоссальные бабки". На Западе, естественно. В свете вышесказанного сейчас не кажутся безосновательными ходившие по Москве слухи о том, что бульдозеры были проплачены... самими художниками. Всё-таки такая великолепная сценка, как ГРУБЫЙ бульдозер, крушащий ХРУПКИЕ произведения "высокого духа", могла прийти в голову только художникам. К тому же, картин таких не жалко - подобное можно создать за пару минут при помощи пульверизатора. Это ж вам, не "Явление Христа народу", над которым надо трудиться много лет. Тем более сама сценка соответствовала стереотипу о СССР, который сложился в головах обывателей западных стран под влиянием вездесущих СМИ. Стереотип был мало похож на действительность, хотя его уже и у нас активно навязывают молодому поколению, тем людям кто не успел пожить в Советском Союзе.
Надо сказать, что тогда - в 1974 году - за политику сажали редко. Предпочитали высылать на Запад. А художники, выставившие свои картины на пустыре в московском районе Беляево, вообще ничем не рисковали. Ведь бульдозеры разгоняли выставку в присутствии большого количества ИНОСТРАННЫХ журналистов, чем создавали художникам невероятную славу. Дошло даже до международного скандала. Так что, если бы московские (вовсе не союзные, именно московские) власти хотели бы ДЕЙСТВИТЕЛЬНО разогнать выставку, сделали бы это безо всяких бульдозеров, а при помощи обыкновенных дружинников и безо всякого шума. Поэтому предположение о том, что некий московский чинуша получил "на лапу" за то, что пригнал бульдозеры, не станет опровергать любой человек, знакомый с тем, как делается пиар. К тому же художники имели большие связи и многих покровителей в партаппарате. И сразу после того, как власть своими бульдозерами начала массированное продвижение советского авангарда на мировой рынок, прошла санкционированная сверху выставка авангардистов в Измайлове. С тех пор они стали участвовать и в официальных экспозициях - например, в Москве на Малой Грузинской улице.
Хотя и до того ситуация была не столь плачевной. В СССР официально трудились крупнейшие деятели авангарда - К.Малевич, работавший в Народном комиссариате просвещения, и П.Филонов, рисовавший портреты Сталина. Третий классик российского авангардизма - В.Кандинский - тоже поначалу работал в Стране Советов. Он стал профессором и вице-президентом Академии художественных наук и был официально откомандирован за границу для установления там культурных связей.
Да и во время репрессий в 1930-е художников пострадало относительно немного - гораздо меньше, чем тех же писателей. Авангардизм в СССР не то чтобы запрещался... он просто не приветствовался властями, после того, как сам "побывал при власти" первые полтора десятилетия после революции и всех изрядно "достал". Кто не верит, почитайте прессу 1920-х. Потом настало время классики, хотя авангардисты писали и тогда. Никто не посадил бы за хранение "крамольной" авангардистской картины, естественно, если бы она не несла карикатуры на Сталина. Но и художника-реалиста тоже посадили бы за такое. Хотя, как отмечают исследователи, художники даже для себя почти не рисовали крамолы. Писатели писали крамольные вещи - их нашли и позднее опубликовали. А крамольных "подпольных" картин очень мало. Кстати, многие приёмы новой живописи использовались в официальном искусстве - на плакатах, например. Если вы заглянете в советские словари позднего времени, увидите, что статьи об авангарде начала ХХ века написаны весьма уважительно. А импрессионизм был практически приравнен к классике.
Но не в этом дело. Советские искусствоведы действительно ругали авангардистов в своих работах - нередко несправедливо и топорно. Я сделал экскурс в историю для того, чтобы было понятнее отношение к авангардизму нынешних искусствоведов и публики вращающейся в околохудожественных кругах. Памятуя о прошлом, эти люди воспринимают авангард, как некую "священную корову". Ходят с умными лицами вокруг этих кружочков с загогулинками и делают вид, что получают эстетическое удовольствие. Прямо, как в сказке про голого короля. Все видят, что король голый, а сказать боятся. Боятся критиковать явно бездарную мазню. Хотя самым мнительным возможно и впрямь внушили, что это круто…
Чтобы понять изложенные ниже мысли, надо вспомнить, как же он появился - этот авангард. Не буду углубляться далеко, искать его истоки у древних египтян и ацтеков. Конечно, знакомство европейцев с древними культурами, открываемыми в то или иное время, имело большое влияние на художников. Когда средневековая традиция приелась, активизировались раскопки в Италии, нашли античные статуи, что несомненно повлияло на искусство ренессанса. Так же, как и поход Наполеона ближе познакомил европейцев с искусством Древнего Египта, и это отразилось на таком стиле, как ампир. Знакомство с культурами Индии, Китая, Японии, инков, ацтеков и майя, открытие масок из тропической Африки, первобытного искусства, всё это оказывало влияние на европейских художников. Но, как это ни странно прозвучит, главные причины рождения авангарда лежат не в сфере чистого искусства, а в сфере научно-технического прогресса. Я говорю, о таких научно-технических достижениях, как появление качественной, ДОСТУПНОЙ БОЛЬШИНСТВУ НАСЕЛЕНИЯ, полиграфии, а также об изобретении фотографии.
Начнём с полиграфии. Что бы там ни говорили, а главной задачей художника старых времён, было написать картину так, чтобы получилось, "как в жизни". Получалось не всегда. Порой такое "неумение" закреплялось в канонах. Но в целом художники стремились, чтобы нарисованное было похожим на реальный объект. Конечно, даму на портрете можно и приукрасить, но всё равно - она должна оставаться УЗНАВАЕМОЙ.
Причём картины были штучным товаром. Их качественные репродукции не тиражировали в миллионах экземплярах, книгопечатание только-только изобрели, и картина в репродукции не могла передать полноценного представления об оригинале. Это могла дать лишь индивидуальная копия, написанная рукой художника. Картины висели во дворцах, их можно было видеть только здесь и сейчас. И если бы вы смогли перенестись в то время, взять качественную распечатку той же "Джоконды", сделанную в пропорции один к одному, облечь её в красивую раму, я думаю, что она бы висела на видном месте в любом дворце. Более того - ценилась бы больше других картин, потому что на ней не видно мазков, то есть, следов работы художника. Художники того времени мазки тщательно затирали, даже лакировали картины, чтобы скрыть следы кисти. Мазки - издержка производства - целью было сделать их незаметными. То есть, приблизиться к тому уровню, который дают современные фотографии. Самоценным считалось ИЗОБРАЖЕНИЕ, а не техника рисования.
И вот пришло время, и появилась возможность делать дешёвые, но качественные репродукции, плюс появилась фотография. …В старые годы картины использовали по прямому назначению - ими украшали стены комнат. И когда подобную функцию смогли выполнять репродукции, когда они стали дешевле картин, люди начали ценить то, что отличает картины писанные кистью от полиграфии - следы этой самой кисти, следы мазков. То есть, то, что раньше тщательно затиралось, приобрело самостоятельную ценность. А раз есть спрос - будет и предложение. Явились импрессионисты. В их появлении были и другие причины, но эта - одна из важнейших. Показательно, что вначале широкая публика не понимала новаторов, потому что их картины выглядели так же, как этюды. То есть так, как недоделанная, как вспомогательная картина, картина где не затёрты мазки. В России, где содержание считалось важнее формы, где в моде были художники-передвижники, импрессионизм так и называли - "этюдизм"…
Образцы живописи импрессионизма
1- 2- 3-
Слева направо: 1- К.Писсарро. "Внешние бульвары. Эффект снега". 1879.; 2- Э.Дега. "Женщина расчёсывающая волосы". 1886.; 3- О.Ренуар. "Зонтики". 1883
Слева направо: 1- К.Писсарро. "Внешние бульвары. Эффект снега". 1879.; 2- Э.Дега. "Женщина расчёсывающая волосы". 1886.; 3- О.Ренуар. "Зонтики". 1883
…Постепенно публика привыкла к тому, что незатёртые мазки, это достоинство картины, а не её недостаток. Тогда стало возможным сделать следующий шаг. Появилась теория о том, что краски должны смешиваться не на холсте, а в глазах зрителя. Появились и соответствующие картины, нарисованные как бы отдельными точками. Так возник неоимпрессионизм, техникой которого был пуантилизм - рисование точками. Хотя, если бы публика не привыкла к моде на неприкрытые мазки, теория неоимпрессионистов вряд ли появилась бы…
Сёра и Синьяк представители неоимпрессионизма.
Прежде, чем мы пойдём дальше - сделаю важное сообщение. Люди, не занимающиеся ДЕТАЛЬНО историей искусства, представляют его, как ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНУЮ смену направлений - классика - модернизм - авангард. На самом деле всё сложнее. Авангард появился вследствие усталости от реализма, но и реализм постоянно возвращался, входил в моду, как реакция на авангард. Ведь шум вокруг каждого нового направления быстро утомлял, и вскоре происходило массовое возвращение к классическому, всем понятному, БАЗОВОМУ стилю, к предметной, к фигуративной живописи. То есть, к тем доступным для восприятия картинам-иллюстрациям, которые лежат в основе таких направлений, как ренессанс, маньеризм (реакция на ренессанс), барокко, классицизм, академизм (застывший классицизм), реализм, социалистический реализм (имеющий ряд неповторимых черт, отличающих его от ПРОСТОГО реализма). Различия между вышеназванными направлениями очень большие. Но мы не будем здесь акцентировать на них внимание. Для нас важно, что предметы на картинах узнаваемы, а сами картины рисовали люди, умеющие рисовать. Точнее люди, не скрывающие это своё умение, в отличие от авангардистов, некоторые из которых просто не умеют рисовать, а другие так рисуют, что их умения в данном случае незаметны, создать мазню из красок можно и без этого.
Возвращения к базовому стилю происходили с завидной регулярностью, вплоть до того, что чуть ли не каждые 20 лет, критики заявляли, что модернизм (авангардизм) устарел и умер. Но классика вскоре надоедала, и художники пускались в новые искания. Причём, после того, как искусство в этих исканиях очень быстро пришло к логическому завершению, к "Чёрному квадрату", искания повторялись по новому кругу. Поэтому и к импрессионизму, и к неоимпрессионизму возвращались и возвращаются постоянно…
…А вот о прерафаэлитах, современниках импрессионистов, скажу пару слов. Само слово "прерафаэлиты" означает возвращение к тому стилю, который был до Рафаэля Санти… Бытует такое выражение, что люди сближаются через поколение. То есть, внукам ближе не то, что нравится их отцам, а то, что нравилось дедам. И вот в ХІХ веке пришло отторжение Возрождения, полюбили средневековье, и слово "готика" из ругательного превратилось в почётное.
Образец живописи прерафаэлитов.
Прерафаэлиты внесли изменение в технику живописи. Если вы посмотрите на их картины, увидите что они имеют свой особый колорит. Английские художники использовали чистые цвета, писали без подмалёвка по сырому белому грунту. То есть в те же годы, когда импрессионисты создавали новый стиль во Франции, англичане вели свой оригинальный поиск и в СОВЕРШЕННО ДРУГОМ направлении. Говорят, что лидеры прерафаэлитов недолюбливали импрессионистов. Несмотря на то, что англичанин Тёрнер повлиял на становление импрессионизма, всё же импрессионизм родился во Франции. И хотя утончённые прерафаэлиты были поначалу популярнее импрессионистов, именно последние дали главный толчок к появлению беспредметного искусства, к появлению всех направлений авангарда.
Примерно в то же время, когда трудились вышеупомянутые неоимпрессионисты, работали художники, которых называют постимпрессионисты - Сезанн, Ван Гог, Гоген. Сезанн в своих поисках дальше всех ушёл в процессе разложения форм предметов. Его творчество является как бы "мостиком" между импрессионистами и художниками беспредметного искусства, между импрессионизмом и авангардизмом. Показательно, что авангардисты выступали не против традиционной живописи, а против импрессионизма, который в начале ХХ века казался уже старомодным…
Образец живописи постимпрессионизма.
…давайте проведём простую, по-возможности, объективную систематику искусства после появления импрессионизма. То есть, искусства конца ХІХ, ХХ, и начала ХХІ веков. Хотя повторюсь - по полочкам всего, не разложишь. Мы просто выделим ряд групп, опираясь на традиционное деление, только сделаем это с максимальной логичностью, и так, чтобы групп у нас было, как можно меньше. Ведь в искусстве уже сотни мало отличимых друг от друга направлений. Запутаться можно!
…Наверное, логичным было бы разделить, для начала все картины на понятные и непонятные. То есть, на те, где изображены предметы, люди, пейзажи - фигуративная живопись. И на те, где всякая мазня - точечки, квадратики, полосочки - абстрактная, нефигуративная живопись. Логично? Логично. Конечно останется ряд картин, которые будет трудно распределить: вроде непонятная, а присмотреться - что-то в ней есть, вроде понятная - но не совсем. Но об этих потом. Понятные тоже можно разделить на две группы. В первой - нормальные узнаваемые предметы и события, во второй - фантасмагории. Эти группы назовём соответственно - реализм и сюрреализм,..
Наверное не стоит описывать принципы вычленения других групп. Но из предметных картин, я бы выделил ещё те, что соответствуют канонам импрессионизма. Группа имеет свои отличительные особенности, она узнаваема, имеет славную историю, разумеется сюда надо внести не только собственно импрессионизм, но и неоимпрессионизм, постимпрессионизм и другие разновидности импрессионизма, а также все сходные течения. А так, как человеческое мышление любит подобие, то другую группу назовём экспрессионизм. Слова похожи и легко запоминаемы. К тому же слово "импрессионизм" происходит от слова "впечатление", он направлен, как бы из внешнего мира, вглубь - в душу художника, а слово "экспрессионизм" - означает "выражение", направлен вовне - из души художника во внешний мир. Художник выражает себя, свои мысли и чувства при помощи картин - тут тоже параллель. Внутрь - изнутри. Конечно же в экспрессионизм вошёл бы рождённый в то же время и примерно на тех же принципах фовизм.
Образец живописи экспрессионизма.
Образец живописи фовизма.
Порой художник выражает себя при помощи сюрреалистических образов. Поэтому ряд картин будут находиться на границе между сюрреализмом и экспрессионизмом, часть между экспрессионизмом и теми картинами, которые мы назвали непонятными. Увы! В жизни всё не разложишь по полочкам. Но общий принцип ясен. А все приведённые выше направления имеют свой устоявшийся в массовом сознании образ. К реалистическому направлению можно отнести и соцреализм и гиперреализм, и картины тех художников, кто пишет в духе классицизма или возрождения…
…Теперь о тех, картинах, которые мы отнесли условно к непонятным. Тут будет не только хаос мазков и линий, но и такие вещи, как творения кубистов. Кубисты дробили образ на составные части. Некоторые их картины вполне предметны. Так на самой знаменитой картине кубизма - "Авиньонские девицы" П.Пикассо, где изображены пять голых проституток - фигуры женщин вполне узнаваемы. Но потом кубисты так стали раскладывать образ, что там никто кроме автора ничего разобрать бы не смог, без его подсказки. Поэтому картины кубизма отнесём к разделу непонятных. Тем более, что кубизм по времени, одно из первых направлений экспериментального искусства. Если говорить упрощённо, то дальнейшие искания довели дробление образа, начатого кубистами, до логического конца - до все этих линий, пятен и квадратов. Показательно, что сам основатель кубизма - Пабло Пикассо - вскоре отошёл от него. Такому крупному мастеру быстро наскучила детская игра в кубики. Поэтому дальнейшим дроблением образа занимались его менее талантливые коллеги, обвинявшие гения чуть ли не в измене "идеалам" кубизма. А ведь гений всегда круче всех "измов" - ему тесно в узких рамках. Стиль для гения - только средство, в то время, как для посредственности он - цель. Посредственность боится отойти от чистоты стиля, боится, чтобы её не обвинили в отсутствии вкуса. Гений же знает, что он и формирует то, что называют вкусом. Хорошим вкусом.
Кубизм - теоретически важный этап развития искусства, но стоящих картин, на мой взгляд, он не породил. Разве, что свою "Гернику", созданную через много лет после увлечения кубизмом, Пикассо писал, используя среди прочего, некоторые открытия кубизма.
Образец живописи кубизма.
Кроме кубизма в раздел "непонятных" отнесём всё беспредметное искусство - все эти линии, кружочки и пятнышки, все квадратики и треугольнички. Все эти супрематизмы, ташизмы, лучизмы, неопластицизмы и прочее, и прочее, и прочее. Конечно и тут нельзя провести чёткой границы - например такие сюрреалисты, как Х.Миро и А.Массон настолько увлеклись своими видениями, что их картины совсем утратили "понятность". Как я уже говорил, жизнь многообразнее и неоднозначнее наших схем. А эту схему я привожу не для специалистов, а для тех людей, кто хочет иметь представление о современном искусстве, но у кого нет времени углубляться в различие между всеми этими "измами"…
…Как же назвать всю эту "непонятку"? Логично было бы использовать слово авангардизм, но экспрессионизм и сюрреализм тоже принадлежат к авангардизму, по устоявшейся классификации. Значит нужен термин объединяющий абстрактное искусство с другими поисками - что-то типа - "абстрактно-изоморфное искусство".
Итак - художественное искусство новых лет мы разделили на - реализм, сюрреализм, импрессионизм, экспрессионизм и абстрактно-изоморфное искусство.
Я считаю, что человеку, который хочет получить минимум знаний об искусстве ХХ века надо научиться отличать друг от друга пять вышеназванных направлений. А если есть время и желание копнуть глубже, тогда берите специальные книги и постигайте отличия супрематизма от неопластицизма, дадаизма от концептуализма. Конечно в своей систематизации я говорю лишь о картинах и рисунках, а не о таких сопутствующих вещах, как перфомансы, берущие истоки от игрищ дадаистов, но имеющие, в отличие от бескорыстных увлечений дада, коммерческое начало. Что касается поп-арта - упрощённого изображения банок из-под супа, или многократно растиражированных портретов Мэрилин Монро, то если убрать весь шум вокруг этого явления, мы увидим, что и явления-то никакого нет. Там не было ничего кроме коммерческой рекламы. Сам поп-арт ничего не открыл, большинство его картин вполне вписываются в то направление, которое я условно назвал реализмом. Образы на них вполне узнаваемы, а если говорить о нюансах, так даже на картинах и плакатах художников хотя бы соцреализма мы увидим по сути всё, что использовал тот же Э.Уорхол. Просто соцреалисты не создавали такого шума вокруг техники рисования своих плакатов. Естественно ряд творений художников поп-арта попадут в раздел "абстрактно-изоморфное искусство". Так же, как поп-арт в предложенную мною УПРОЩЁННУЮ классификацию можно внести и другие направления искусства ХХ века.
Как мы видели выше искусство, на определённом этапе, развивалось от предметного к беспредметному. Разумеется, большинство художников оставались на старых позициях. Эксперимент был уделом немногих. Причём продвижение шло поэтапно. Если невинный импрессионизм казался людям ХІХ века безвкусицей, тогда, что же они сказали бы об супрематизме, если бы он возник на полвека раньше? Спасало то, что в те времена все экспериментаторы начинали, как художники предметного искусства. То есть их УМЕНИЕ рисовать было зафиксировано на многих привычных картинах. И когда такой мастер писал откровенную мазню, придумывая под неё сложную для понимания публики "теорию", зрители зная, что художник умеет рисовать, искали в его мазне то, что хотели найти. Этому помогают и некоторые свойства нашей психики. Если я нарисую нечто неопределённое и назову это фуфайкой - вы невольно будете искать в нём контуры фуфайки, а назову то же самое - ласточкой - человек с развитым воображением увидит в этом ласточку. Как шло становление нового искусства хорошо иллюстрирует рассказ основоположника абстракционизма - художника Кандинского - о том, что он случайно прислонил одну из своих картин к стене боком. Изображение стало непонятным, только загадочно засверкали краски. Хотя по свидетельству очевидцев, он просто вытирал кисти о тряпку, сочетание случайных пятен понравилось художнику и тот выдал его за готовую картину. После этого он СОЗНАТЕЛЬНО стал так рисовать. То есть беспредметное искусство поначалу было ОТКРЫТИЕМ. Но, как правильно заметили искусствоведы - в живописи любое направление завершается упадком. Упадок наступает тогда, когда в том или ином направлении всё перепробовали, вернее всё, что воспримется обществом на данном этапе развития. И уже в начале ХХ века, "Чёрный квадрат" поставил точку. Дальше экспериментировать некуда. Дальше идут повторы и самоповторы.
Кандинский и Малевич - основоположники беспредметного искусства начинали с предметной живописи.
1- 2-
3- 4-
Слева направо: 1- В.Кандинский. "Одесский порт". Конец 1890-х.; 2- В. Кандинский. "Композиция IV". 1911.; 3- К.Малевич. "Яблони в цвету". 1904.; 4- К.Малевич. "Супрематизм". 1915.
3- 4-
Слева направо: 1- В.Кандинский. "Одесский порт". Конец 1890-х.; 2- В. Кандинский. "Композиция IV". 1911.; 3- К.Малевич. "Яблони в цвету". 1904.; 4- К.Малевич. "Супрематизм". 1915.
Выше мы проследили рождение беспредметного искусства, оттолкнувшись от появления качественной полиграфии. Не меньшее значение в этом процессе имело и то, что в 1839 году появилась фотография, а в 1869 году люди научились делать цветное фото. То есть, изобретение цветной фотографии совпало по времени с рождением импрессионизма. И это не случайно.
Как уже говорилось, вплоть до середины XIX века, художники обслуживали общество, занимая среди прочего и ту нишу, которую занимают ныне фотографы. То есть, увековечивали лики заказчиков. Именно после того, как человек смог получить свой портрет, портрет семьи, друзей без помощи художника - ИМЕННО после этого - в искусстве начался активный поиск, уход от точного запечатления действительности. Вначале появился импрессионизм, когда художник мог нарисовать бурый стог фиолетовыми красками, только потому, что стог произвёл на него такое ВПЕЧАТЛЕНИЕ, а потом появилось и вообще беспредметное искусство. Заметьте - активные искания начались сразу после того, как фотография сделала труд многих художников ненужным. Конечно и до этого стили сменяли друг друга, шёл поиск новых форм и средств выражения, но смена стилей не была столь радикальной, а поиск - столь исступлённым. При всей непохожести, иконопись ближе к работам мастеров Возрождения, чем пятна ташистов к "Последнему дню Помпеи". Художники, вытесняемые фотографами, начали искать новую нишу. При этом мы не должны забывать, что каждый год художественные школы заканчивают тысячи и тысячи выпускников. И любой из них (если не отлынивал от занятий) вполне сможет нарисовать портрет женщины в стиле ренессанса или классицизма, сделать графический рисунок в стиле А.Дюрера, не говоря уже о мазне в виде кубиков и линий (так нарисовать сможет КАЖДЫЙ и безо всяких там художественных школ). А гениями коллективное бессознательное человечества может назвать немногих, ведь если каждого третьего художника назовут гением, то мы просто потеряемся среди сотен тысяч, а то и миллионов гениев. Уже сейчас многие начинают путаться между всеми этими Рубенсами, Рембрантами и Ренуарами, между Мане, Моне и Матиссами, Сезанами, Сезарами и Сёрами, Пикассо, Писарро и Пуссенами, Ван Донгенами, Ван Гогами и Гогенами. Только признанных гениев среди художников столько, что никто кроме профессиональных искусствоведов не удержит их в памяти. А сколько непризнанных, сколько художников второго плана о которых мы по истечению времени можем сказать, что на самом деле они были первыми, что их незаслуженно забыли? А ведь гениев не может быть много по природе своей. С учётом всего сказанного выше, понятно, что для того, чтобы художника заметили, для того, чтобы назвали гениальным - одного умения рисовать мало. Нужно как-то выделиться среди массы тысяч и тысяч рисовальщиков. Вот тут-то и можно говорить о "раскрутке", которой способствуют нестандартные полотна и действия. Если на выставке авангардистов поставить хорошо прорисованную картину в стиле классицизма, она несомненно привлечёт к себе внимание, так же, как и мазня выставленная среди тщательно прорисованных холстов. Немаловажно оказаться в нужное время в нужном месте. Если бы Марсель Дюшан выставил свой писсуар на сто лет раньше - во времена Наполеона или Людовика - художник, в лучшем случае, закончил бы сумасшедшим домом. Точно так же была бы "не понята" и Кароли Шниман, если бы совершила свой знаменитый перфоманс "Внутренний свиток" на сто лет раньше, если бы, обнажившись, начала вытаскивать из собственного влагалища феминистические тексты где-нибудь на выставке импрессионистов. Именно на примере импрессионистов мы видим, как постепенно менялось представление об искусстве. Ведь их миленькие скверики и вокзалы кажутся нам вполне старомодной классикой и нам трудно понять, почему эти картины вызывали такие скандалы на выставках XIX века. Только после того, как общество привыкло к тому, что стог сена может быть не только жёлтым, но и ярко-рубиновым, синим - в общем, любым - только после этого мог быть сделан следующий шаг. И так до самого "Чёрного квадрата" включительно. Конечно, в исканиях художников тех лет был и китч, были и неудачи, но направление живописи ясно - это эксперимент, разложение цвета, разложение формы и он был оправдан. И вот "Чёрный квадрат" показал, что этот путь пройден до конца - дальше ни цвет, ни форму не разложишь.
Но... но художественные школы по-прежнему выпускали тысячи и тысячи художников. Им надо было зарабатывать на хлеб, многие хотели, чтобы их признали гениями. И эти люди вынуждены быть вторичными. Не потому, что они хуже, а потому, что пришли позже, пришли, когда эксперимент был в основном завершён. Начались повторы. Сейчас только специалист в нагромождении линий и точек сможет разобрать где здесь лучизм, где ташизм, где неопластицизм, а где суперматизм. Причём, обратите внимание, что по сути каждое из старых направлений живёт и ныне - масса художников рисует в стиле импрессионизма, а для тех, кто рисует пятнами и точками придумали обобщающее название "авангардизм", и ещё одно - "беспредметное искусство", это для того, чтобы не путаться во всех этих "дадаизмах", многие из которых были не более, чем играми молодых. Рисуют также художники и в классическом стиле, в стиле реализма. Так, что для того чтобы тебя признали гением умения рисовать мало. Более того, общество зарезервировало звания гениев и за не умеющими рисовать. Это произошло во времена, когда авангард подходил к своему логическому пределу, когда уже выставляли картины якобы нарисованные хвостом осла. Кто-то подумал: "А чем хуже осла, рисуют люди не умеющие рисовать, если рисуют искренне?". Так появилось направление названное примитивизмом, где творили неумехи-примитивы и их последователи - примитивисты. Некоторых из них назвали представителями народного творчества. В образовавшуюся нишу сразу же ринулись художники умеющие рисовать, которые начали притворяться, что не умеют. Но ниша эта не слишком большая. Примитивисты хороши только на фоне других. Когда в окружении сотен полотен в стиле классицизма висит одна картина примитивиста тогда можно сказать - "О! Как же это по детски непосредственно! Как же это свежо, на фоне скучной и однообразной живописи классицизма! Как же это чистосердечно! О!О!О-о-о-о!!!!!!!!!!!!!!". Но когда эти "чистосердечные" недомалёвки потянутся сплошным потоком, то будет очень скучно. Ещё скучнее, чем на выставке академической живописи. Поэтому за примитивистами коллективное бессознательное человечества закрепило всего лишь несколько имён. Ведь больше не запомнишь, да и не надо. Самые знаменитые - французский таможенник А.Руссо, (хотя говорят это один из просочившихся в примитивы из числа УМЕЮЩИХ рисовать) и мечтатель-бедняк из Грузии Н.Пиросманашвили.
Хотя почти каждая национальная культура резервирует у себя в стране пару-тройку мест для примитивистов, для художников из народа, чтобы было что выставлять в музеях, чтобы было чьи картины продавать любителям за баснословные деньги. В Украине, например, такой художницей назначили дочь сельской вышивальщицы Марию Примаченко (1908-1997), которая бесхитростно, по-детски, рисовала всяких зверушек, птичек и цветочки. Критики нашли в творчестве художницы глубочайшие народные истоки, да так "раскрутили" её, что картины Примаченко продают за деньги пристойные даже для западных примитивов. И правильно сделали, что "раскрутили"! Конечно на месте Примаченко мог бы оказаться кто угодно, имей он нормальную для примитива биографию и желание рисовать много и упорно. Качество картин тут не важно - главное, чтобы соответствовали минимальным стандартам примитива, а остальное работа критиков - они в чём угодно, какие угодно истоки найдут за соответствующую плату.
Недавно смотрел по телевизору, как один "высоколобый" критик нашёл в орнаментах Примаченко истоки древних цивилизаций, истоки набившей всем оскомину, Трипольской культуры, другой говорил о том, что свой "мистический дар" она получила от самой Матери Земли, третий утверждал, что взрослый не сможет рисовать как ребёнок, так как он внутренне несвободен и только одна Мария сумела это... Характерно, что лейтмотивом всех этих восторгов было постоянное повторение того, что картины Примаченко продаются за сто тысяч долларов каждая.
Пример Марии Примаченко так же показывает, что "раскрученных" народных гениев не может быть много. Представьте, что государство стало бы "раскручивать" тысячу художников уровня Примаченко. Тогда на мировом рынке не знали бы ни одного украинского примитива. Просто никто бы эту тысячу не запомнил. А вот когда всё внимание акцентируется на одном человеке, то любой зарубежный коллекционер примитивной живописи будет ассоциировать Украину с М.Примаченко, так же, как Швецию - с А.Петерсоном, а Грецию - с Т.Хадзимихаиле.
В современном мире стоимость картин сильно влияет на причисление автора к гениям. А эти две вещи не всегда совпадают. Вернее, они очень редко совпадают в отношении живых и здравствующих художников. Стоимость полотен отражает вложенный пиар и мещанские пристрастия того или иного времени, а отнюдь не гениальность автора. Более того - многие гении не были признанны при жизни. Из сотен картин Ван Гога при его жизни была продана только одна! И может быть я вызову возмущение поклонников великого мастера, но есть ОГРОМНАЯ доля вероятности того, что Ван Гог так и не был бы открыт для широких масс, не был бы открыт даже посмертно, если бы не шум с привкусом сенсации созданный вокруг его имени. Если бы он не гонялся с ножом за другим знаменитым художником Гогеном, если бы в припадке безумия не отрезал себе ухо, если бы не покончил жизнь самоубийством. Неудивительно, что некоторые современные художники имитируют безумие, делают неординарные поступки, шокируют публику, чтобы привлечь к себе внимание этой самой публики. Возможно, не был бы открыт и, умерший в больнице для бедных, Модильяни, если бы после смерти художника его гражданская жена Жанна Эбютерн не выбросилась из окна шестого этажа будучи на девятом месяце беременности. Показательно, что уже во время похорон началась бешеная скупка картин Модильяни, цены на которые резко подскочили! В тот же день открылась его первая персональная выставка. Только после смерти мастер добился того, чего не мог добиться всю свою жизнь. А сколько их ещё не открытых гениев, чья смерть не носила столь сенсационного характера?
А.Модильяни. Одна из многочисленных "Обнажённых". Амедео Модильяни удалось выработать свой неповторимый стиль. Хотя картины его почти никто не ценил при жизни мастера, зато после его преждевременной смерти, они приобрели неимоверную популярность.
Надо правильно понимать, что стоит за исканиями художников. И это не обязательно коммерческая составляющая. Не меньшее значение имеет желание выделиться - быть признанным! Ведь получилось же у Дюшана с его писсуаром, думает современный художник - почему же у меня не получится? А выделиться тем, что он нарисует лучше можно только на фоне не умеющих рисовать. Среди тысяч и тысяч рисовальщиков так не пробьёшься. Помню, как один художник хвостик ветра к своим образам пририсовывал, другой - чёрточки и штрихи особые. Меня вначале это смешило, а потом подумал - лучше уж так, чем рисовать бессмысленные пятна и доказывать, что это круто. Не виноват же художник, что поздно родился, что все стили которые могут быть восприняты человеческим мозгом на данном этапе развития цивилизации, уже открыты до него. Вот художник и придумал себе небольшую стилевую особенность, он чуть-чуть не похож на собратьев. Пусть пишет на здоровье! У меня такие художники вызывают гораздо больше уважения, чем те, которые сидят голыми на цепях и кусают прохожих…
… Отдельно надо сказать о содержании картин. Здесь тоже начнём с импрессионизма. Исследователи спорят - включать ли творчество Эдуара Мане в импрессионизм или нет? Как бы то ни было, он работал вместе с первыми импрессионистами и был в чём-то их учителем. Так вот - его картина "Завтрак на траве", где были изображены двое одетых мужчин, одна голая и одна полуголая женщина вызвала настоящий фурор. Хотя "обнажёнка" была привычной для искусства того времени. Да и сама картина была исполнена в классическом духе. Если бы он нарисовал голышом всех четверых - никто и слова бы не сказал. Публика бы умилённо глазела на это зрелище. Вслух бы вспоминали образцы античных божеств кисти художников ренессанса, а про себя каждый бы подумал - "Знаем мы для каких таких дел собрались в укромном месте эти две парочки". Всё было бы чинно и привычно. А тут... Ну что делает эта ГОЛАЯ женщина между двумя ОДЕТЫМИ мужчинами?.. Необычность этой сценки даёт пищу для самых неожиданных размышлений. Так и современников Мане поразил антураж. СОДЕРЖАНИЕ картины…
Ещё забавней другой пример. С тем же художником. Даже модель была та же - Викторина Мёран. Возмущение картиной "Олимпия" понять труднее, чем "Завтраком на траве" - там всё ясно. А тут - просто лежит голая, не очень красивая девушка на кровати. Лежит и смотрит на зрителя. Тем более тот же зритель, восхищался написанной в то же время картиной А.Кабанеля - "Венера". Там тоже изображена лежащая нагая девушка. Только красивая девушка. В чём же дело? Критики пишут - всё дело в том, что Мане изобразил не обнажённую, не нагую, а именно раздетую, голую женщину. То есть показал не тело ВООБЩЕ, как на картинах ренессанса и классицизма, а индивидуальное, конкретное тело. Тот же приём, но не столь НАРОЧИТО выраженный, использовал великий Гойя в своей картине "Обнажённая маха", написанной в начале того же века…
1- 2- 3-
Слева направо: 1- А.Кабанель. "Венера". 1863.; 2- Ф.Гойя ."Обнаженная Маха". ок. 1802.; 3- Э.Мане. "Олимпия". 1863.
Слева направо: 1- А.Кабанель. "Венера". 1863.; 2- Ф.Гойя ."Обнаженная Маха". ок. 1802.; 3- Э.Мане. "Олимпия". 1863.
Пишу об этом столь подробно, потому, что так легче понять суть развития искусства. Не только мастерство исполнения, но и оригинальность картины НА ФОНЕ других, привычных, выделяют её из массы, делают художника знаменитым, а его картины дорогостоящими.
Поэтому мы должны понимать, что когда К.Малевич объединил в одной картине, пусть даже механически, такие далёкие образы, как корова и скрипка, это было интересно публике, так как было тогда непривычно. А если вы ПОСЛЕ ЭТОГО станете объединять козу с роялю, а быка с фортепиано - образ будет банальным, ибо открытие уже сделано. Оригинальность такой картине может придать лишь нестандартное исполнение…
…Если говорить о последующих временах, то надо отметить сюрреалистов. Они вволю попрактиковались на необычном содержании своих картин. Причём содержание для них было главным, об этом свидетельствует хотя бы то, что исполнение картин было различным. Кто брал традиционную технику и помещал привычные изображения в особый контекст, кто искажал образы до неузнаваемости, закручивая тела и меняя форму предметов, кто вообще делал фигуры столь невнятными, что отличить такого сюрреалиста от представителей лучизма или ташизма может лишь специалист. Точнее тот человек, который ЗАРАНЕЕ знает, что автор этих полосок и пятен ПРИЧИСЛЯЛ СЕБЯ к сюрреалистам.
И мне жаль современных художников. Трудно создать что-то новое, когда ещё до твоего рождения тысячи человек ЦЕЛЕНАПРАВЛЕННО пытались создавать это самое "что-то новое"…
В западном мире своеобразным итогом, всех этих исканий и экспериментов, всех ташизмов-неопластицизмов, является то, что принято называть Contemporary Art. Хотя теоретики этого направления и противопоставляют его модернизму - на самом деле это не более, чем декларации. Contemporary Art имеет те же корни, да и методы его не новы - всё это появилось во время великих экспериментов начала ХХ века. И хотя словосочетание Contemporary Art переводится, как "современное искусство", это не совсем так. Contemporary Art скорее жанр современного искусства, потому что художников работающих в классическом ключе, вряд ли отнесут к этому направлению. От своих предшественников начала ХХ века, Contemporary Art отличается исключительно коммерческой направленностью.
Надо сказать прямо - то, что называют Contemporary Art, рассчитано исключительно на богатого обывателя, которому льстит мысль быть причастным к современному высокому искусству, но который ничего не понимает в нём. Contemporary Art спекулирует на исканиях гениев времён перелома, которые делали вещи непонятные для публики, но делали это не для того, чтобы "бабки срубить", а ради художественного поиска. А вот Contemporary Art это коллективный обман, осуществляемый группой лиц с целью извлечения прибыли. Разумеется я не исключаю того, что и в этой отрасли есть несколько талантливых художников. Есть и произведения настоящего искусства, но их мало. Contemporary Art это коммерческий проект, такой же, как СПИД, Свиной грипп, Миллениум или Голливуд. Это маскультура, шоубизнес поданный под соусом высокого искусства. Можно сказать, что Contemporary Art это опошлённый вариант модернизма, сведённый до уровня халтуры и маскультуры…
… Одной из характерных особенностей Contemporary Art есть то, что в нём широко используются шоу, постановки, называемые перформансами и хепенингами.
Представьте ситуацию. Приехал в Киев, никем не узнанный, Пикассо и выставил на Майдане картину, в которую вложил весь свой гений, мастерство и годы упорного труда. Тут же на Майдан пришла молодая девушка и разделась. Что привлечёт больше внимания толпы - картина Пикассо или голая девушка? Конечно голая девушка, хотя в отличие от художника она никакого труда в своё шоу не вкладывала - разве что проявила определённую дерзость. Обилие голых женщин и вообще "обнажёнки", эротика, онанизм и половые акты во время перфомансов, садизм по отношению к животным - всё это показывает, что так называемое Contemporary Art, рассчитано на примитивную толпу. Оно базируется в основном на дешёвых фарсах призванных озадачить, а то и шокировать неподготовленного обывателя. Постановщики этих фарсов хотят зарабатывать, не имея таланта и не вкладывая особого труда, подобно вышеупомянутой девушке на Майдане. Хотя есть и одно принципиальное отличие. Девушка проявила ДЕРЗОСТЬ. То есть, тут она похожа на тех художников, которые ПЕРВЫМИ нарисовали чёрный квадрат, ПЕРВЫМИ выставили писсуар в музее. А вот в Contemporary Art дерзости нет. Нет гения, нет таланта. Это просто производственный поток, создатели которого поняли, что низменные инстинкты толпы принесут им больше денег, чем высокая духовность.
Художник, опорожнившийся в музее под картиной Ван Гога, или (как вариант того же самого) художник, сидящий голым на цепи и кусающий прохожих, или художник, онанирующий в галерее... Понятно, почему эти художники так делают? Рисуют они плохо, прославиться своими картинами не имеют ни малейшей возможности. Поэтому при помощи скандала они хотят привлечь к себе внимание, стать знаменитыми, выгодно продать то что они намалевали, получить уйму денег и жить в своё удовольствие. С художниками вроде всё ясно. Их цель явно корыстна. А вот как быть с ИСКУССТВОВЕДАМИ, которые подобные действа обозвали мудреными словами "перфоманс", "инсталляция" и "Contemporary Art", которые пишут о выходках подобных художников, буквально следующее: "выставки произведений Contemporary Art нередко бывают довольно сложными для восприятия обществом и поэтому сопровождаются скандалами"? Если бы такое написал искусствовед, состоящий в доле с голым художником, его мотивы можно было бы понять. Заработать хочет человек. Но в той же статье говорится, в числе прочего, о перфомансах старых лет. О Кароли Шниман, например. Вряд ли автор и с ней тоже в доле. И таких статей - масса! Что это? Глупость авторов? Так рассуждают вроде бы логично. Желание эпатировать? Так какой уже может быть эпатаж после голого художника, сидящего на цепи. Гипноз и самообман? Но не может же быть подвергнуто гипнозу такое множество людей в разных концах Земного Шара. А может быть околохудожественное сообщество играет с нами в какую-то игру? Может, они там все повязаны с целью выбивания денег путём перфомансов голых художников? Может, нормальную здравую статью обо всех этих немудреных перфомансах просто не примут в такой журнал, как то роскошное издание, из которого я взял цитату? Может, искусствоведы просто обязаны так писать ради того, чтобы прокормиться? С учётом тех миллиардов, которые вращаются в Contemporary Art, последнее предложение выглядит наиболее вероятным.
Многие художники уже в открытую говорят о "мафии" узурпировавшей рынок искусства и через обслуживающие их СМИ, навязывающей оболваненным покупателям дешёвые поделки тех, так называемых, "художников", которые состоят в этой мафии, уверяя неумных покупателей, что те не только "продвинутые" эстеты, но и выгодно вложили свои денежки.
Более того, вся эта мазня, называемая искусством на самом деле, является частью хитроумной схемы ухода от налогов. Дело в том, что в законодательстве многих стран прописано, что человек подаривший музею произведение искусства, освобождается от налогов на сумму пропорциональную стоимости подарка. А настоящих шедевров не много. Количество картин Рембрандта или Веласкеса исчисляется десятками или сотнями, все они уже в музеях и на рынок их никто не собирается выбрасывать. Поэтому и "раскручивают" мазню ушлых бездарей, оценивая их картины в миллионы, чтобы подарив музею холст стоимостью в 10 долларов, оценив его, как в 10 миллионов, сэкономить миллионы на налогах. Кстати, коммерсанты удерживают непомерно высокие цены на произведения П.Пикассо, так как мастер создал около 30 тысяч картин и набросков. Из-за многочисленности их можно использовать, как своеобразную волюту в мошенническом бизнесе отмывания денег и ухода от налогов…
…Отдельно скажем об использовании во время перфомансов и выставок Contemporary Art, так называемых "найденных вещей", точнее уже готовых - "сделанных вещей" - ready-made. Суть в том, что художник берёт всякие банки пустые, пуговицы, рваную обувь и всё это выставляет в надежде, как он говорит, пробудить у зрителя особые эмоции. А на самом деле, он надеется этой немудреной выдумкой создать скандальную славу и быстренько "бабки срубить". Когда Марсель Дюшан выставил в музее велосипедное колесо в 1913 году, а затем в 1918 - знаменитый писсуар, назвав его фонтаном, он обосновывал смысл своих действий тем, что на вещь, красующуюся в музее, человек смотрит совсем не так, как на такую же в привычной среде. Зритель невольно начинает думать, а что же ему хотели всем этим сказать? Открытие Дюшана было вполне правильным, он был оригинален на тот момент. Но как безнадёжно вторичны его последователи!
Что бы там не говорили, в СССР было настоящее ready-made. Кто жил в 1970-е, наверное помнит, что тогда была мода на необычные произведения созданные самой природой. Моду эту активно пропагандировало телевидение и печатные СМИ. Суть в том, что люди находили всякие сучки необычной формы, корни и коряги, камни, а также сброшенные рога лосей, оленей и тому подобные предметы. Потом, если была в том потребность, убирались лишние детали, порой творение покрывали лаком, и получались всякие фантастические животные - драконы и динозавры, гарпии и грифоны, иногда и фигурки людей. Вот это действительно искусство! Человек выступал соавтором самой природы. Советский Союз воплотил в жизнь мечту деятелей авангардизма о том, что каждый человек может стать художником, что каждый из нас может быть творцом произведений подлинного искусства, если только сумеет разбудить в своей душе божественную музыку творчества, которая есть у всех людей, но которую не каждый сможет услышать, если он будет предаваться всю свою жизнь порочному делу накопления и потребления. Неудивительно, что западное общество, которое так и назвало себя "обществом потребления", платило огромные деньги за пустые бездушные пивные банки и прочий мусор, а общество, задекларировавшее приоритет духовных ценностей, выступало сотворцом природы, а значит самого Бога, создавая настоящие шедевры. Но... но Запад, поглощённый мелкими политическими игрищами, умудрялся видеть в СССР одни недостатки, которые действительно были, чего греха таить! Видеть только плохое, но в упор не замечать того хорошего, что было в нашей стране. Поэтому подлинное ready-made никто не заметил, а мусорособирание западные прикормленные критики объявили высочайшим достижением искусства, поставив сборщиков пивных банок на один уровень с Рафаэлем и Леонардо…